展览名称：95%现场——毛宗泽作品展
展览地点：3/6/7号厅
主办单位：武汉美术馆
展览时间：2016年9月29日——10月10日
开幕时间：9月29日  10：00分
开幕地点：武汉美术馆中庭

展览组织机构：
总策划：樊枫
策展人：章后仪
艺术总监：高小林
展览总监：宋文翔
展览统筹：张文博
平面设计：代楷
空间设计：程俊
展览助理：吴梦诗
媒体宣传：李霞、刘文菲
展览组委会成员（按姓氏笔画排列）：
王南、刘宇、刘永茜、宋文翔、张文博、高小林、彭于虎、樊枫、薛苏北

展览简介

在旅行中画画写生是一件听上去极为美妙的事情，这种美妙源于我们大概能想象一幅图景。画家们约上三五好友背上画板、行路万里，遇到美景趣事，免不得一番感慨，停留数日，挥洒笔墨。豪爽洒脱好不令人羡慕。
然而事实上，在中国画的传统里，花鸟等小品常用写生的方法进行表达，山水画则经历了一定历史阶段的发展，才到了画家们惊觉要抛弃程式、回归自然、享受笔墨的状态。
对于写生，传统画家的态度是“搜尽奇峰打草稿”。一幅完整的传统山水画里估摸着会有黄山的山石，庐山的泉水，再加上一点长江上游的峡谷水流等等“草稿”，画家们把这些“草稿”也就是今天所说的元素按照山水画布局要求拼贴，最终达到可游、可居、可观的文人心象。这样的“山水画”再现的是画家心中所渴望的山水。
艺术家毛宗泽是一位绘画面貌非常多样的艺术家，十多年前因为对山水画到底要怎么样继续心生疑窦，从而走出画室，走向自然，所到之处，笔下生文章。他抛弃了元素式山水作画方式，力求还原现场，再现真实。“95%现场”描绘的是本次展览作品的状态，它们每幅作品在现场的完成度高达95%，而这似乎也提出新的问题，那就是中国山水与自然的关系。究竟是再现还是表现，中国山水的落脚点是自然还是笔墨？
毛宗泽带着这些问题出发，但并不试图解决这些问题。而是去通过感受，找属于自己的答案，他在现场写生感受到的，体会到的，没走出去的人或许也只能感受到95%，还有5%可能可以通过他的画面寻找一些蛛丝马迹。
在本次展览中，我们以“所到之处”“心法自然”“95%现场”三个篇章展开对毛宗泽先生十年来写生作品的梳理，试图为大家展现的是他洒脱随性的书画态度，也借由此引发一些大家对于中国画写生的思考。

展览前言

我画城市生活，有个很深刻的体会，原来认为是笔墨为物象服务，后来体会到物象要为笔墨服务。中国画的写生从严格意义上讲是通过生态物象挑战你的笔墨物象，也是自然图像挑战你的心灵图像。那么现在我们就是要解决这样的一个问题——许多中国画画家在面对实物时容易不知所措。中国过去讲究“胸有成竹”，如今面对自然就要打破“胸有成竹”，而达到“胸无成竹”，不断地颠覆“既定事实”，抓住物象的形态、规律及物象的精神，逐渐提炼出属于自己的笔墨和造型，并融入当代社会生态与人文情怀，呈现出独特的时代精神。
笔墨在各个历史时期的标准是不一样的，它随时代而变化，是不同时代人们思想情感的表达。古人主张游历，但不擅长写生。石涛主张“收尽奇峰打草稿”，用自己的艺术体验和生活感悟指引着笔墨的方向。今天，越来越多的艺术家在思考是不是还存在前人所漏掉的、未被发现的某种状态。他们试图以传统与当代、艺术与生活相链接的方式寻求新的突破点，呈现出不同的观念派别。一是立足于传统笔墨基础，将时代与生活植入画作之中，认为笔墨的研究是中国画重要的话题，也是我们需要继承和发扬的主要内容，笔墨不行，何以谈中国画。二是坚持以图像学为基调。这种形式不再追求传统山水笔墨系统中的品评规范，不再遵循传统水墨画的笔法与墨法，也不再拘泥于笔画的点滴得失，融合笔墨、色彩及抽象形态，试图把笔墨变成画面中诸多因素中的其中一个。很显然，毛宗泽属于前者。
从仿古画到油画的专业训练，最后，又回归到中国水墨的探索之中，毛宗泽因此练就了扎实的造型能力与笔墨功底。他情系中国画，二十余年，一方面专注于人物花鸟的创新性研究；另一方面游走于山水间，钟爱对景写生，强调写生的现场性，有着强烈的时代意识。
此次展览共展出毛宗泽先生八十余件山水画作品，对其二十余年的山水写生经历进行梳理。“95%现场”，是一种作画态度，毛宗泽提倡中国画写生的现场性，却又不是单纯的场景复制，其重点还在于笔墨的创作。他以情感驾驭笔墨，而不是以笔墨追随物象的形体轮廓，继承中国画传统笔墨语言的精华，并运用它与大自然进行对话。关照自己，关照万物，既师法自然，又不会被自然物象所困。武汉美术馆通过此次展览对艺术家的个案分析可以引导我们思考，这个时代的社会生态以及画家对于这种生态的观察，是如何融入到我们的笔墨中去，使画面进入一种与社会、现实及人生紧密关联的“当代状态”。